Dreiteilung

Dass Wahrnehmung nicht objektiv ist sondern subjektiv, ist eine Binsenwahrheit. Maßgeblich für den Menschen ist die Subjektivität der eigenen Wahrnehmung, die er zur Objektivität befördern möchte. Als wäre die Welt so, wie er sie sieht. Dies ist die Grundlage von Denken, Fühlen und Handeln.

Kunst ist die visuelle Dokumentation der eigenen Subjektivität. Um Kunst schaffen zu können, muss man sich zu diesem Subjektivismus bekennen. Künstler wie Amadeo Modigliani oder Gilbert & George haben einen auch formal extrem subjektiven Standpunkt eingenommen und deuten von diesem Standpunkt aus die Welt.

Die Welt und ihr Abbild

Wer ihre Kunst betrachtet, könnte sofort zu der Einsicht gelangen, dass die Welt aber ganz anders aussieht und deshalb sogar ganz anders ist, als sie sie darstellen. Was also ist passiert? Die genannten Künstler haben ihre subjektiven Standpunkt verabsolutiert und haben innerhalb ihres Wahrnehmungskosmos eine extrem ausgeformte Formensprache entwickelt.

Ausdruck und Wirklichkeit

Sowohl im Fall von Modigliani als auch bei den Foto-/Grafik-Kunstwerken von Gilbert & George geht es um eine formal strenge Stilisierung ihres Betrachtungs-Gegenstandes. Diese Darstellungsweise stellt den Ausdruck und die Ausdrucksfähigkeit über die realistische Abbildung und Erfassung der empfundenen Wirklichkeit – also über die Wahrnehmungsfähigkeit einer Konsenswelt, über deren Eigenschaften man schnell eine Vereinbarung herstellen könnte.

Reduzierung als Verfremdung

Die Ikonografie der visuellen Welt von Gilbert & George ist schrill und bunt, die von Modigliano geometrisch-reduziert. Ihre dargestellte Welt ist eine Ausschnittswelt. Sie lässt vieles weg, konzentriert sich auf einige wesentliche konstruktive und stilbildende Elemente und zeigt so dem Betrachter einen subjektiv verfremdeten Teil der Wirklichkeit, der aber als absolut gesetzt ist. Das heißt: Das Subjektive ist der ausschließliche Erlebnisraum des Künstlers.

Die objektive Subjektivität

Sein Filter, durch die der Künstler die Welt betrachtet oder der seine Art zu zeichnen oder zu malen formt, wird zum Ausdruck für seine Realität. Das Subjektive, dass man unter anderen Umständen als Relativierung des objektiv Vorhandenen auffassen könnte, wird zum Ausschließlichen. Die subjektive Ich-Perspektive wird in der Selbstwahrnehmung verobjektiviert und damit zur objektiven Wirklichkeit des Ich-Subjekts. Das heisst: Kunst findet erst in extremer Subjektivität zu Objektivität des eigenen Seins. Weil extreme Subjektivität mit Objektivität leicht zu verwechseln ist.

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  27. Über das Vorläufige und das Endgültige in der Kunst
  28. Warum Kunst ein Virus ist
  29. Kreieren und wiederholen: Warum Kunst nicht kreativ ist
  30. Das Unverwechselbare in der Kunst als Ausdruck der eigenen Unfähigkeit
  31. Das Ungefähre als das nicht Greifbare
  32. Offenheit, Inspiration, Assoziation – über den Wert von Einflüssen in der Kunst
  33. Der blinde Fleck und die Kunst der Betrachtung
  34. Kompetenz und Versagen als sich selbst bedingende Gleichzeitigkeit
  35. Kunst als Selbstdialog
  36. Ordnung und Chaos als Polaritätskonzept künstlerischen Wirkens
  37. Die Überforderung
  38. Eindeutigkeit und Wahrnehmung in der Kunst
  39. Kunst als Sprache
  40. Der Mangel als Ansporn
  41. Bedeutung und Orientierung als Ziele der Kunst
  42. Selbstbild und Seins-Inszenierung
  43. Kunst als Chiffre der Notwendigkeit
  44. Kunst als fortgesetzter Traum
  45. Idealismus oder Materialismus – Geld oder Leben!?
  46. Die Maslow-Bedürfnis-Pyramide oder fühlen und durchleben in der Kunst
  47. Jenseits der Worte
  48. Wahrheit und Verdrängung
  49. Das Gefühl für die Dinge oder von der Schwierigkeit, Kunst zu definieren
  50. Zwischen Selbsttransformation und Fremdwahrnehmung
  51. Fehler machen als „Sesam-öffne-dich“
  52. Kunst und die Visualisierung des Nie-Gesehenen
  53. Jede Regel will gebrochen sein
  54. Die Intrinsik als Wesenszug