Künstler-Pech. Die Zielgruppe von Meese und seiner Galerien ist gar nicht „die Masse“ sondern es sind betuchte Kunden, die sich Kunst leisten können und in Ausstellungen und Performances auch erwarten, überrascht, unterhalten und verblüfft zu werden. Da kommt Performer Jonathan Meese gerade recht. Wo Künstler wie der Chinese Ai Weiwei tatsächlich gegen Mißstände protestieren und dafür drangsaliert und ins Gefängnis geworfen werden, betreibt Meese Schattenboxen – in der satten Mediengesellschaft und von der Wirkung her nicht viel mehr als ein bunter Harlekin. Kommentieren.

Beuys-Faktor. Jonathan Meeses Werk profitiert von seiner medial verbrämten Selbst-Stilisierung. So wie Josef Beuys theatralisch-pathetisch und medial wirksam in einem recht eitlen Akt der Selbststilisierung in einem Ruderboot über den Rhein übersetzen ließ, um aus seiner Entlassung aus der Düsseldorfer Kunstakademie ein Kunststück zu machen, so tritt Meese mit Vorliebe in Performances an die Öffentlichkeit, um zu beeindrucken und die langweilige Wiederholung in seinem Werk mit einer Dachmarkenstrategie zu überdecken. Nach dem Motto: „Ist der Künstler originell, muß es sein Werk auch sein.“ Ist es aber nicht durchgängig. Kommentieren.

Massen-Produktion. Das Feuilleton verbreitet sich darüber, dass Meese wie ein Kind sei. Tatsächlich agiert er wie ein solches, ergeht sich in einer infantilen Selbstdarstellung und sondert in seinen Performances nicht enden wollende Plattitüden ab. Seine vermeintlich naive Weltsicht als „Enfant terrible“, als schreckliches Kind, ist nicht das Problem, es sind eher die ökonomischen Begleiterscheinungen: Seine Bilder, die er oft in Sekunden oder Minuten runterschruppt, die allesamt Geburten des Augenblicks sind, werden zwischen 5.000-60.000 Euro verkauft. Meese hat Verträge mit Galerien, für die er massenweise produziert. Er muß ständig Nachschub liefern, weil die Nachfrage groß ist – und er kommt dem nach. Kommentieren.

Kunst-Messias. Jonathan Meese proklamiert eine Auferweckung der Kunst aus einem selbstgewählten Dornröschen-Schlaf, dabei produziert er fließbandmäßig Austauschbares, hat sich ein paar simple Reizthemen gegriffen, wie „Militarismus“ oder „Hitler“, die er permanent – sich selbst wiederholend – bearbeitet. Er agiert marketingmäßig, indem er sich selbst stilisiert und dabei von Beuys oder Gilbert & George gelernt hat, anstatt neue künstlerische Inhalte zu schaffen. Dabei changiert er zwischen Hofnarr, Entertainer, Medienguru und – man glaubt es kaum noch – Künstler. Dass Meese sehr schnell von den Medien, die seine Botschaften weitertragen, vereinnahmt und zum simplen Unterhaltungsfaktor wurde, der weniger ernst genommen wird, als er es sich wünscht, nimmt er in Kauf – ähnlich wie Josef Beuys, der neben allem anderen ein Künstler für die Medien war. Kommentieren.

Naive Kunst. Künstler, die auf die Gesellschaft einwirken, müssen außen stehen, damit sie einen unverstellten Blick haben – so das gängige Bild. Wer nicht sozial eingegliedert ist, wer absonderliche Ansichten hat und ebensolche Verhaltensweisen an den Tag legt, ist niemals kompatibel mit der Mainstream-Gesellschaft und kann ihr so wunderbar den Spiegel vorhalten. Das hat etwas von einem Hofnarr, der bei Hofe gleichzeitig unterhielt und geistig anregte. Die zeitgemäße Kunst scheint genau aus diesen Ingredienzien zu bestehen: Sie muß unterhalten, mehr als ihr lieb ist, und zum Nachdenken anregen. Andy Warhol war unterhaltsam, Josef Beuys brachte seine künstlerischen Aussagen in platten Slogans auf den Punkt („Kunst = Politik“) und hatte dazu das Talent, mit Menschen ins Gespräch zu kommen. Meeses Slogans („Diktatur der Kunst.“ – „Die Kunst tut, was sie will.“ – „Die Kunst muß radikaler sein, als die Realität.“) bieten nicht viel Neues. Kommentieren.

Gottesblessterung. Es begab sich im Dezember letzten Jahres, dass das Washingtoner Smithsonian-Institut, eine bedeutende amerikanische Forschungs- und Bildungseinrichtung, die auch Museen betreibt, ein künstlerisches Video aus einer Ausstellung verbannt hatte. Man weiß ja, dass in den USA mit religiösen Themen, auch im weitesten Sinne, nicht zu spaßen ist. In dem Video ist eine Jesus-Holzfigur zu sehen, auf der Ameisen herumlaufen. Der Film des verstorbenen Künstlers David Wojnarowicz aus 1987 thematisiert AIDS, wurde in der Washingtoner Transformer Gallery gezeigt und trägt den Titel „A Fire in my Belly“. Zum Opfer gefallen ist das mediale Kunstwerk dem Begehren rechts-religiöser und republikanischer Kreise in den USA. Bill Donohue, Präsident der „Catholic League“, hatte sich öffentlich beschwert und in Aussicht gestellt, man werde gucken, ob hier Steuergelder richtig eingesetzt würden. Man muß in den USA seit längerem aufpassen, nicht auf eine schwarze politische Liste zu kommen. Die Stimmung erinnert an die McCarthy-Ära der 50er Jahre. Vielleicht haben die Ausstellungsmacher auch deshalb so willfähig reagiert, weil der Film Teil der Ausstellung „Hide/ Seek“ ist, die 104 Werke schwuler und lesbischer Künstler zeigt – übrigens noch bis zum 13. Februar – und damit zusätzlich angreifbar genug wäre. God Bless America. Kommentieren.

Ein digitales Kunstmagazin aus London, das von popsurrealistischer Kunst spricht. Auf den ersten Seiten ganz gut anzusehen, insgesamt aber flach. ich kauf’ mir lieber ein gutes Comic und lasse mich, während ich lese, tätowieren. Das ist Lowbrow-Art.

Gestern hate ich über die Ausstellung und Auktion „The Vader Project“ berichtet. Ich hatte kritisiert, dass sich die Ausstellung als Kunst- oder Pop-Art-Event stilisiert, tatsächlich aber Design ist.

Ich hatte auch bemängelt, dass es sich bei den 100 Exponaten eher um Masse statt Klasse handelt.

Hier möchte ich nur kurz die obige Abbildung vorstellen, die ichbei Nerdcore gefunden habe und die Chris Dimino gestaltet hat. Interessantes Objekt-Design, das ein bißchen an Darth Vader gemahnt. Davon hätte sich die Vader-Ausstellung eine Scheibe Kreativität abschneiden können.

Star War’s Bösewicht „Darth Vader“ ist eine Ikone der Unterhaltungsindustrie. Kein Wunder, dass jemand auf die Idee kam, ihn zur Kunstfigur zu stilisieren. Das liegt im Trend. Seit Jahren gibt es den Trend, Illustratoren dazu zu laden Gläser oder Tassen zu gestalten. Die Film-Industrie ist schon lange zum Merchandise-Motor mutiert und macht hier zum Teil größere Umsätze als mit den Filmen selbst.

„Merchandise“ – das sind Film umgebende Zusatzprodukte wie T-Shirts mit Aufdrucken, Poster und vor allem auch Spielzeug: Figuren aus Kunststoff. Diese Figuren sind ein eigener mächtiger Industriezweig geworden. Es gibt sie zu jedem Comic-Held und zu fast jeder Film-Figur. Comic-Läden erwirtschaften mit diesen Figuren einen beträchtlichen Teil ihres Umsatzes.

Jahrelang mit der Ausstellung „on the road“
Dov Kelemer und Sarah Jo Marks vom amerikanischen Vertrieb „DKE Toys“ kamen vor diesem Hintergrund 2005 auf die Idee, 100 Designern und Illustratoren den Kopf von Darth Vader als Kunststoff-Replik zu übergeben und diese ihn interpretieren zu lassen. Die beiden bezeichnen sich als Kuratoren, weil die Werke ab 2007 in Ausstellungen durch Amerika, Japan und Europa gewandert sind. Zu sehen war die Ausstellung initiierend auf dem „Star Wars Celebration IV Event“ in Los Angeles und 2009 im „Andy Warhol Museum“ in Pittsburgh, Pennsylvania.

Die Termine von Abschluss-Ausstellung und Auktion
Die Helme werden in den nächsten Tagen – vom 11.-20.  Juni – in Los Angeles ausgestellt. Schließlich sind die Exponate vom 5.-9. Juli im Freeman’s Auction House zu besichtigen, wo sie am 10. Juli für Einsteigspreise ab 1.500,- Dollar versteigert werden sollen.

Die Kreativen werden von den Initiatoren als Künstler bezeichnet.
Tatsächlich handelt es sich bei den Schöpfern der Darth-Vader-Interpretationen um Illustratoren und Designer.  Shag zum Beispiel, ein international bekannter Illustrator, der im Retro-Stil zeichnet, lebt von limitierten Auflagen seiner Drucke und Büchern. Frank Kozik ist ein aus der Musik-Szene kommender Grafik-Designer. Peter Kuper ist als Comic-Zeichner bekannt geworden. Comic Zeichner sind immer mehr dazu übergegangen, so genannte Portfolios zu veröffentlichen, Mappen mit Postersammlungen bzw. großfortmatigen Drucken ihrer Illustrationen. Viele zeichnen und gestalten auch Poster. Einige dieser Zeichner haben mit ihren Drucken den Sprung in die Kunst-Szene geschafft. (Zum Beispiel Bilal, der höchst bezahlte europäische Comiczeichner als Künstler.)

Verortet in der Pop-Art?
So krankt denn auch die Ausstellung, die sich gerne in der Pop-Art verorten würde, an mangelnder Substanz. Die meisten Illustratoren haben das gemacht, was sie können: Illustrieren. Sie haben den Darth Vader-Kopf teils unmotiviert mit ihren üblichen Illustrationen bemalt. Hier ein Beispiel:

Einige haben immerhin den Kopf soweit umgestaltet, dass er gestalterisch interessant wirkt. So wie hier:

Den Sprung zur Kunst haben nur die wenigsten geschafft, indem sie zum Beispiel das Martialische und M;ilitärische persiflierend betont haben:

Oder so:

Fazit: Masse anstatt Klasse
Die beträchtliche Formenvielfalt, die entsteht, wenn man 100 Illustratoren und Designer beauftragt, darf nicht darüber hinwegtäuschen, dass der tatsächliche kreative Output begrenzt ist. Masse und Klasse schließen sich in der Regel aus. Für „DKE Toys“ ist der Sprung von der Serien-Produktion von Merchanside- und Design-Artikeln hin zur Ausstellung und Aufnahme in ein Auktionshaus beträchtlich. Mit Kunst hat das aber kaum etwas zu tun. Das Vader-Projekt, das aus den tiefsten Tiefen der Mainstream-Unterhaltungs-Industrie kam und nun teils von Underground-Illustratoren bearbeitet wurde, ist teils wenig mehr als dekorativ. Manchem mag das genug sein.

Gerade noch saßen wir bei einem New-York-Bagel im Frühstückscafe und waren uns einig, dass New York City überhaupt nicht so voll ist, wie man gemeinhin denkt.  Wir hatten mit Massen gerechnet, die in ihrer täglichen Hetzjagd nach harten Dollars die Bürgersteige bedecken.

Von wegen: In der U-Bahn geben uns freundlich lächelnde Amerikaner Komplimente für unsere europäischen Sommerschlussverkauf-Schnäppchen und selbst an der Wall Street geht es zur besten Aktienhandelszeit eher entspannt zu (sieht man von der Maschinenpistolen tragenden staatlichen Präsenz mal ab).

Aber dann kommt alles ganz anders: Der erwähnte 800-Kalorien-120-Gramm-Fett-Bagel hat gerade mal seine vermutlich tagelange Verdauung angetreten, als wir am Museum of Modern Art ankommen. Zehn nach zehn – noch zwanzig Minuten bis die Tim Burton Ausstellung zum letzten Mal ihre Pforten öffnet. Zum ersten Mal sehen wir vor lauter Menschen den Bürgersteig kaum noch.

Tim Burton ist eine Hollywoodgröße. Das Schöne an ihm: Er ist so unangepasst. Ein Freifahrtschein für Mainstream verachtende Arthouse-Verfechter, zu denen wir uns auch gerne zählen. Tim Burton ist für alle da und entsprechend groß ist die Nachfrage für die Ausstellung: New Yorker und Touristen kämpfen Seite an Seite um die letzten Tickets, Familien zwischen Goths, Filmfreaks und Horrorfreunden. Wer in keine dieser Kategorien passt, den zieht vielleicht einfach der Promi-Faktor an. Immerhin gibt es Briefe an ihn, Johnny Depp, zu sehen und das ein oder andere Detail aus dem Hause Disney.

Pünktlich um elf dürfen wir dank unserer vorab gekauften und mit Einlass-Uhrzeit versehenen Online-Tickets in die auch an diesem letzten Tag ausverkaufte Sonderausstellung. Durch einen Schlund geht es hinein in das Reich des Künstlers. Vorbei an fluoreszierenden Skulpturen und Sequenzen aus seinem filmischen Werk, direkt hinein in einen vollgestopften Raum: wieder Besucher allüberall, die Wände übersäht mit Exponaten, Kinder stapeln sich in einer Video-Ecke. Dafür kaum Beleuchtung und kein Platz für die Kunst.

Wer das alles ausblendet, findet trotzdem das Wunderbare an dieser Ausstellung.
Abgesehen von Memorabilia wie Köpfen aus „Mars Attacks“, dem Originalkostüm von „Edward mit den Scherenhänden“ und Figuren von „The Corpse Bride“ gibt es unfassbar viele Zeichnungen, Illustrationen, und Entwürfe. Viele sehen aus wie Telefon-Kritzeleien und tragen Notizen in einer entrückten Handschrift. Aber Bild und Text fusionieren zu einem Kommentar – meistens zynisch, schwarz, komisch. Besonders die frühen Zeichnungen, das Werk eines durchgeknallten Teenagers, dem heutzutage die Jugendpsychatrie sicher gewesen wäre.

Denn damit fing alles an: Zusammen mit seinem High-School-Kumpel Rick Heinrichs, der die verschrobenen Ideen und Bilder in Modelle und Skulpturen umsetzte, entwickelte Burton seine eigene Welt. Daraus entstanden Filmideen. Die wahre, geniale Kreativität liegt aber in den ursprünglichen, krakeligen Zeichnungen von dicken Jungs mit Nägeln in den Augen, bösen Clowns und bunten Aliens. Verrückte Szenarien, die schockieren, aber gleichzeitig amüsieren.

Leider hat das MoMa zuwenig Raum geschaffen – sowohl für die Besucher, als auch für die Ausstellungsstücke. Die filigranen Zeichnungen wirken in den kleinen Rahmen thematisch sortiert einfach eingezwängt, sie verlieren an Ausdruck. Kein Wunder. Das Establishment versucht Burton konsumierbar aufzubereiten – das kann nur schief gehen. Das ist es auch schon vorher bei verschiedenen Filmproduktionen. Burtons Dynamik aber entsteht aus dem Tabuisierten, Zwanglosen und Widersprüchlichen.

Und dennoch ist Tim Burton heutzutage etabliert. So etabliert, dass das Kronjuwel der internationalen Museen ihm eine Ausstellung widmet. So etabliert, dass Familienväter aus Connecticut scharenweise ihre Kinder ins Museum schleppen, ihnen aber dann doch lieber hier und da die Augen zuhalten. Dann wohl doch noch nicht ganz so etabliert, oder?

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