Neulich wo?

Das Rennen am Hockenheim Ring wäre höchst unspektakulär gewesen, hätte nicht ein kleiner feuerroter Rennstall für Unmut bei den Kollegen und Niki Lauda gesorgt.  Felipe Massa musste seinen Teamkollegen Fernando Alonso passieren lassen, weil der in der Meisterschaft einen Punktvorsprung hat. Soweit so gut. Allerdings sind Stallorder, die den Rennausgang verändern seit Barrichellos Verzicht auf einen GP-Titel zu Gunsten von Michael Schumacher verboten. Ferrari glaubt aber wohl immer noch, dies unverholen und unbestraft tun und anschließend abstreiten zu dürfen. Denn plötzlich scheinen alle Befragten an partiellem Gesächtnisschwund zu leiden. Bis auf eine unwesentliche Geldstrafe scheint das auch alles in Ordnung zu gehen.

Eins war allerdings auffällig: Bei der Siegerehrung gab es nur lange Gesichter. Alonso war der so geschenkte Sieg deutlich peinlich, Massa zog ein langes Gesicht (soweit das möglich ist), weil er sich betrogen fühlte und Vettel, weil er daheim nicht gewonnen hatte. Und man könnte sagen: Schon wieder hat uns ein Spanier die Suppe versalzen.

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Flügelkämpfe

Das teaminterne Duell bei Red Bull geht weiter. So kann man die WM auch verspielen. Mal sehen, wem im Kampf um die neuen Autoteile der nächste (Front-, Heck- oder andere) Flügel “verliehen” wird. Nach dem aktuellen Punktestand (Webber 128, Vettel 121) hätte Webber die Nase vorn…

Kleine Legende:
Seb = Sebastian Vettel,
3. Bild: Marc Webber mit Fernando Alonso, bezieht sich auf einen Witz, den Webber in einer Pressekonferenz machte: “…some of the other drivers tried to offer me a new front wing…Seb didn’t, but others did.”

Hier ist der Nasenkönig No 1,  Massa.

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Kontrovers und exzentrisch: William Gaines.

Comic-Verfilmungen gibt es nicht erst seit gestern. Deren Erfolg ist dabei stetig größer geworden, was gerade in den letzten zehn Jahren niemandem entgangen sein dürfte. Man könnte sich zu der Behauptung versteigen, dass das Medium Comic über den Umweg des Kinos doch noch den Weg in den kulturellen Mainstream und die Akzeptanz des breiten Publikums gefunden hat.

Eines ist dabei jedoch bisher noch ziemlich im Dunkeln geblieben: Wer sind eigentlich die Menschen hinter den Bildergeschichten? Wenn man sich einmal die Beziehung von Film und Literatur ansieht, dann fällt auf, dass die Schöpfer mindestens genauso viel Aufmerksamkeit von den Filmleuten erfahren, wie ihre verfilmten Werke.  Filme über Shakespeare,  Austen, Wilde oder Schiller sind fast ebenso zahlreich wie Hamlet- oder Dorian Gray-Verfilmungen. Wer aber steht hinter Super-, Spider-, oder Iron Man? Namen wie Jack Kirby, Bob Kane oder Stan Lee sagen auch heute nur dem Eingeweihten etwas.

Aber dann tauchte vor einiger Zeit in den Weiten des Netzes eine kurze Meldung auf, die die meisten unter ferner liefen abgespeichert haben dürften, wenn sie sie denn überhaupt registriert haben:  John Landis, erfolgreicher Regisseur von Klassikern wie „Blues Brothers“ und „American Werewolf“ (bis ihm der Flop „Blues Brothers 2000“ eine unfreiwillige Karrierepause bescherte),  plant ein Comeback. Und zwar mit einem Biopic über William  Gaines.

Wiliam wer?

Hierzulande dürfte seine Person nahezu unbekannt sein. Schon eher klingelt es da bei dem Titel „Tales from the Crypt“: Eine Horror-Comicserie aus den 1950ern, die spätestens durch die gleichnamige Fernsehserie aus den Neunzigern auch bei uns einen gewissen Bekanntheitsgrad erlangt hat. Diese wurde zwischen 1950 und 1954 von dem Verlag EC Comics vertrieben, der sich damals auf Horror- und Crime-Comics spezialisiert hatte. Der Herausgeber, der für diese Ausrichtung verantwortlich war,  war eben jener William Gaines.

Wenn man sich nun einmal mit der Geschichte dieses Mannes und seines Verlages beschäftigt, verwundert es kaum noch, dass diese nun zur Quelle eines der ersten Filme über die Macher von Bildergeschichten herangezogen wird. Diese ist nämlich in sich schon so filmförmig, dass es verwundert, dass sich nicht schon früher ein Drehbuchautor über dieses gefundene Fressen hergemacht hat. Spielen wir es doch einmal durch:

Ende der Vierziger Jahre: Da haben wir unseren jungen Helden Bill Gaines, Sohn des Comicverlegers Maxwell Gaines. Dessen braver, kleiner Verlag Educational Comics führt eine Reihe von pädagogisch wertvollen Reihen mit Comicumsetzungen von Bibelgeschichten oder amerikanischer Geschichte. Der ältere Gaines zeigt dabei durchaus Geschick, da EC Comics als erster Verlag dazu übergeht, seine Hefte an den Zeitungsständen verkaufen zu lassen.

William allerdings zeigt kein Interesse am Geschäft seines Vaters, oder an Comics überhaupt. Nach dem Krieg, den er in einer Kasernenküchenmannschaft in Oklahoma City verbrachte, nimmt er ein Studium auf, mit dem Ziel Chemie-Lehrer zu werden. Kein Gedanke daran in die Fußstapfen seines Vaters zu treten.

Aber dann, Auftritt des Schicksals: Maxwell Gaines kommt 1947 bei einem Bootsunfall tragisch uns Leben. Sein Sohn sieht sich nun vor die Situation gestellt die Nachfolge antreten zu müssen. Begeistert wird er nicht gewesen sein, aber er fügt sich in dieses Schicksal.

Der Held, der sich seiner Aufgabe zunächst verweigert und erst durch ein äußeres Ereignis dazu gebracht wird diese anzunehmen, kann als eine DER Grundkonstellationen filmischen Erzählens angesehen werden; ein Plot Point wie aus dem Lehrbuch.

Williams Begeisterung wird  auch dann nicht sonderlich gestiegen sein, als er erfuhr, dass der Verlag hoch verschuldet war. Bibel- und Geschichtscomics mögen zwar ein ehrenwertes Anliegen sein, liegen wohl aber eher wie Blei an den Ständen. Man kann sich gut vorstellen, dass der junge Gaines  in dieser ihm aufgezwungenen Situation durchaus wütend sein könnte auf den verstorbenen Vater, der ihn in diese Lage gebracht hatte.

Und schon haben wir eine wunderbare Motivation für unseren Helden. Daddy Issues,  ebenfalls ein sehr beliebtes Motiv bei Film- und Fernsehmachern.

Gewalt und Politik

Er braucht wohl eine Zeitlang, doch dann fasst er einen Entschluss: Gut, ich nehme das Erbe an und versuche den Verlag so gut es geht zu führen. Aber auf meine Weise.

William Gaines ist kein Idealist wie sein Vater, sondern sehr viel pragmatischer eingestellt. Er sieht sich auf dem Markt um und stellt fest, dass sich vor allem Crime Comics gut verkaufen; Geschichten aus der Halbwelt des Verbrechens, die im allgemeinen mit recht drastischen Gewaltdarstellungen einher gehen.

Ab 1949 also krempelt er den Verlag in kürzester Zeit um. Aus Educational Comics wird Entertaining Comics, das Verlagsprogramm wird auf das von Gaines ausgerufene “New Trend“-Programm umgestellt, das sich in erster Linie aus Horror-, Science Fiction- und Crime-Titeln zusammensetzt.

Der  Erfolg gibt ihm Recht: Die neuen Serien verkaufen sich wie geschnitten Brot. Vor allem die drei Horror-Reihen „Tales from the Crypt“ , „The Vault of Horror“ und „The Haunt of Fear” werden zum Zugpferd des Verlags.  Jede Ausgabe enthält drei bis vier abgeschlossene Geschichten, die in ihrer expliziten Darstellung von Gewaltszenen eine neue Qualität erreichen.

Doch auch wenn es oberflächlich den Anschein haben mag, sind die EC-Comics keine stumpfen Machwerke, die allein an die niederen Triebe der Leser appellieren, denn Gaines und seine  Chefredakteure Harvey Kurtzman und Al Feldstein fühlen sich immer noch der Qualität ihrer Produkte verpflichtet. Dabei gehen sie  andere Wege als der Rest der Industrie, was zu einem Distinktionsmerkmal von EC Comis wird. Es gelingt ihnen eine ganze Reihe von jungen und innovativen Zeichnern und Autoren unter dem EC-Label zu versammeln, und sie lassen ihnen ein Maß an kreativer Freiheit, die zu dieser Zeit in der Comic-Industrie ihres Gleichen sucht: Denn EC verzichtet auf einen House Style, den andere Verlage ihren Zeichnern vorschreiben, stattdessen werden die Zeichner ermutigt, ihren eigenen Stil zu verfolgen und zu entwickeln.  Als Ausdruck dafür, welchen Stellenwert man bei EC den Künstlern zumisst, werden bei jeder Ausgabe die Beteiligten explizit aufgelistet und den Zeichnern gestattet, ihre Werke zu signieren, was ebenfalls zu dieser Zeit absolut unüblich ist.

Das Ergebnis ist eine zeichnerische Qualität, die EC-Serien weit über den damaligen Durchschnitt hinaus hebt. Auch die Geschichten, von denen viele von Kurtzman und Feldstein selbst geschrieben werden, sind reflektierter als auf den ersten Blick erkennbar ist. Oft sind es hoch moralische Fabeln, in denen der Antagonist über seine eigenen Machenschaften stolpert und am Schluss seiner gerechten (und meist grausigen) Strafe zugeführt wird; das Twist-Ende wird zu einem Markenzeichen von EC. In den ScienceFiction-Reihen „Weird Science“ und Weird Fantasy“ finden sich viele Adaptionen von namhaften Genre-Autoren wie Ray Bradbury und H.P. Lovecraft. Die Crime-Comics aus „SuspenStories“ hingegen sind deutlich vom Film Noir inspiriert.

Auch sind viele Geschichten deutlich politisch motiviert und machen Lynchjustiz, Antisemitismus und Korruption zum Thema. Dabei zeigen sie ein Menschen- und Gesellschaftsbild, das weit moderner ist als zu Beginn der 50er üblich. Viel zitiertes Beispiel hierfür ist die Geschichte „Judgement Day“ aus „Weird Science“ : Ein Astronaut besucht als Abgesandter einer  intergalaktischen Zivilisation einen von Robotern bewohnten Planeten, um zu prüfen, ob diese dazu bereit sind, in dieser Zivilisation aufgenommen zu werden. Die Roboter aber leben in einer Zweiklassen-Gesellschaft, dessen Unterscheidung allein auf der Farbgebung beruht; der Astronaut entscheidet, dass sie noch zu barbarisch sind um aufgenommen zu werden. Erst auf dem Rückflug im Raumschiff nimmt der Astronaut den Helm ab und der Leser erkennt, dass dieser ein Schwarzer ist.

All dies macht EC Comics zum ersten Verlag in der Geschichte des Mediums, dessen Comics sich deutlich eher an ein erwachsenes Publikum als an Heranwachsende richten.

Comics und Rock’n'Roll

Zwischen 1950 und 1954 erlebt der Verlag eine beispiellose Erfolgsstory. Wenn wir jetzt noch einmal über einen Film fabulieren, dann dürfte auch dieser Aufstieg einiges hergeben: Eine Gruppe junger, unkonventioneller Zeichner und Schreiber, die ihren Erfolg unter den Fittichen des Exzentrikers Gaines ausleben dürfen. Die Atmosphäre in den Redaktionsräumen dürfte durchaus eine besondere gewesen sein. Darauf weisen zum Beispiel die launigen Editorials der einzelnen Ausgaben hin, die den Leser mit einem Augenzwinkern für seinen schlechten Geschmack verspotten, ein EC-Produkt erstanden zu  haben. Man war gleichzeitig Schmuddelkind und Paradiesvogel der Branche und mit ihren düsteren Stories trugen die EC-Kreativen mit dazu bei, das das naive Golden Age of Comics zu ende ging. Man darf ihnen hier gerne eine gewisse Rock’ n Roll-Attitüde unterstellen.

Doch natürlich bleibt es nicht beim eitlen Sonnenschein und der Wind wird rauer. Horror- und Crime-Comics geraten zunehmend in die Kritik, da sie in der öffentlichen Wahrnehmung hauptsächlich von Jugendlichen gelesen werden, auf die sie einen schädigenden Einfluss üben sollen.

Auftritt des Antagonisten: Dr. Fredric Wertham; ein humorloser alter Knochen, der moderne Medien wie Fernsehen für Teufelszeug und Gewaltdarstellungen für einen der Hauptauslöser für ausufernde Jugendkriminalität hält. Sein persönlicher Kreuzzug richtet sich dabei immer  mehr gegen die Comic-Industrie. 1954 erscheint sein Buch „Seduction of the Innocent“, das mit großer Aufmerksamkeit aufgenommen wird, und die Einstellung der Öffentlichkeit gegenüber Comics sehr zum Negativen hin beeinflusst. Viele der auch heute noch vorhandenen Vorurteile gegenüber dem Medium sind auf diese Zeit und Werthams Buch zurückzuführen.

Es dauert nicht lange und auch die Behörden fangen an, sich für Comics zu interessieren. Denn es ist die Zeit des McCarthyismus, in der das Misstrauen groß ist gegenüber allem, was den American Way of Life korrumpieren könnte, und es für viele Bereiche eine entsprechende Untersuchungskommission gibt.

EC Comics bieten mit ihrem Programm dabei besonders viele Angriffsflächen und stehen schnell im Kreuzfeuer der Kritik von Medien und Öffentlichkeit. Schließlich wird William Gaines  vor das „Senate Sub-Committee on juvenile Deliquency“ geladen, und das ist der Moment, in der unser Film zum Gerichtsdrama wird.

Allein gegen alle

Gaines tritt vor der Kommission bemerkenswert selbstbewusst auf, und verteidigt seine Publikationen gegen die vorhandenen Vorurteile. So beruft er sich vor allem darauf, nach dem guten Geschmack zu entscheiden, was EC veröffentlicht und was nicht. Der Vorsitzende  der Kommission, Estes Kefauver, zeigt daraufhin das Cover eines EC-Comics, auf dem ein Mann eine blutige Axt in der einen, und einen abgeschlagenen Kopf in der anderen hält und fragt Gaines, ob er das für guten Geschmack halten würde.

Gaines Antwort: Ja, für einen Horrorcomic schon. Schlechter Geschmack wäre es, wenn er den Kopf ein wenig höher halten würde, so dass man das tropfende Blut sehen würde.

Gaines`s reueloses Verhalten macht ihn für Kritiker in den Medien schnell zur Symbolfigur für die angebliche unmoralische Haltung in der Industrie, was auch der Verlag bald selbst zu spüren bekommt. Als Konsequenz  aus der Kritik verordnet sich die Comic-Branche selbst den „Comics Code“, was einer Selbstzensur gleich kommt. Viele der Beschränkungen sind implizit gegen das Programm von EC gerichtet. In allen Veröffentlichungen, die sich dem Code unterwerfen, sind Darstellungen von Gewalt, Blut oder Sexualität von nun an tabu. Worte wie „Horror“, „Terror“ oder „Weird“ dürfen nicht länger in Magazintiteln genannt werden.

Gaines ist ein heftiger Gegner dieser Zensur und weigert sich zunächst, mit EC Comics dem Code beizutreten. Schon bald sieht er sich jedoch dazu gezwungen, da sich die Verkäufer weigern Comics abzunehmen, die nicht das Zeichen des Codes auf dem Cover tragen.

Das ist der Beginn des Niedergangs von EC Comics, denn der Code zieht den Geschichten die Zähne (Bei„Judgement Day z.B. wird gefordert, den schwarzen Astronauten herauszunehmen). Auch jetzt noch ist Gaines aufmüpfig und bietet den Verantwortlichen bei jeder Gelegenheit Widerstand (er droht, wenn „Judgement Day“ nicht in der Ursprungsversion erscheinen könne, würde er publik machen wieso nicht) trotzdem kann er nicht verhindern, dass die Verkaufszahlen in den Keller rauschen. Nur ein Jahr nach Einführung des Comic Codes ist EC gezwungen sämtliche Comicreihen einzustellen, der Verlag steht kurz vor dem Bankrott.  Es scheint, als müsse Gaines sich geschlagen geben.

Aber nein, er gibt noch nicht auf. Zusammen mit Al Feldstein konzentriert er sich  nun auf eine einzige Veröffentlichung, mit der sie einige Zeit zuvor vom Comic- zum Magazinformat übergegangen sind, die daher nicht unter die restriktiven Beschränkungen des Codes fällt. Der Titel dieses Magazins: MAD.

Und wie bekannt sein dürfte, erscheint dieses Magazin auch heute noch. Am Ende gibt es also doch ein Happy End.

Eine Geschichte von vielen

Wie man sieht, hat die Geschichte von William Gaines durchaus den Stoff aus dem in Hollywood Biopics gemacht werden. Dabei drängt sich eine ganz konkrete Assoziation auf, nämlich die zu Larry Flynt, der bereits 1998 mit einer filmischen Verewigung gewürdigt wurde.

Hier wie dort haben wir einen Verleger bzw. Herausgeber, der aus der „Schmuddel-Ecke“, heraus pragmatische Entscheidungen trifft und damit Erfolg hat. Als die Sache größer wird, zieht er die Aufmerksamkeit des konservativ-verstockten Amerikas auf sich, und gerät in die Mühlen der  Justiz, die ihm vorwirft, Amerikas Kinder zu verderben. Aber anstatt klein beizugeben nimmt er den Kampf auf und wird dabei mehr zufällig und aus eigenem Interesse zu einem Aktivisten gegen Zensur und für  Meinungsfreiheit.

Ein Thema, das vor allem auch vor dem Zeitkolorit des Beginns der 1950er und des Antikommunismus besonders Sinn macht. Auch ist es eine hervorragende Gelegenheit für einen Meta-Comicfilm, einem Film über das Comicmachen, um einmal die Geschichten derjenigen zu erforschen, die sich die bunten Bildergeschichten ausgedacht haben, die heute praktisch monatlich ins Kino finden.

Natürlich deckt diese Geschichte, wie die meisten Biopics, nicht das ganze Bild ab. Dass Fredric Wertham ein humorloser Knochen war, ist durchaus interpretationswürdig. Nicht erwähnt haben wir bisher nämlich, dass seine Kritik zu großen Teilen darin bestand, dass in Comics vor allem Anzeigen zu Dingen wie Luftgewehren und Messern geschaltet waren. Auch war er nicht nur ein Gegner von Horror-Comics, sondern auch der Rassentrennung, und seine Schriften zu dem Thema spielten eine entscheidende Rolle in der Abschaffung derselben, was ihn als „Figur“ um einiges ambivalenter macht.

Und dann wären natürlich noch die Jahrzehnte, die Gaines als Herausgeber von MAD verbrachte, aus denen es nicht weniger erzählenswerte Geschichten zu vermerken gibt. Zum Beispiel, dass er möglicherweise durchaus Schlüsse aus Werthams Vorwürfen gezogen haben könnte, denn gegen Ende der Fünfziger verbannte er die Werbung aus dem MAD Magazin, und hielt daran fest, oft auch gegen den Widerstand seines Chefredakteurs. Der Grund dafür war, dass er „sich nicht über Coca-Cola lustig machen könne, wenn er gleichzeitig Werbung für Pepsi schalten würde.“ Dies zeigt wieder den hohen Anspruch, den er an Satire und damit an sein Produkt anlegte, und dass er ein Mann mit Prinzipien war.

Auch sonst gibt es jede Menge Anekdoten, die ihn als exzentrischen Kauz zeichnen, und die wieder einen ganz anderen Film ergeben würden. Welchen Film John Landis  aus dem Stoff machen wird, darauf darf man durchaus gespannt sein.

CrashCarWasti

Nachdem seine Piloten sich beim letzten Rennen selbst um den Doppelsieg brachten, sieht sich Red Bull-Teamchef Christian Horner genötigt, andere Saiten aufzuziehen…Mal sehen, wie es mit dem neuen Gefährt beim Qualifying läuft *g*.

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Der Geschichten-Erzähler. Im Mississipi-Delta kam der Sohn eines Baumwoll-Pflückers und einer Näherin zur Welt. Er sah einfach zu gut aus und alles drängte ihn auf die Bühne. Er war ein Schauspieler, ein Show-Man, einer, der durch Gesang zu den Massen sprechen konnte.

Das Gesicht. Er verwandelte sich in etwas, was er nicht war. Die Kunst-Figur Elvis Presley gab sich und dem Rock’n'Roll eine Form, eine Körperbewegung, eine Stimme, ein Gesicht. Er war der König der Kameras. Er war auch deshalb Mr. Rock’n'Roll, weil sich keiner wie er bewegte, weil keiner so aussah wie er und weil er am Anfang wie die personifizierte Auflehnung wirkte. Seine Stimme sang nicht nur Lieder. Ihr Subtext war die Stimme der Jugendkultur.

Die Metamorphose. Immer schneller und immer weiter verwandelte er sich, wurde modelliert und gesteuert wie eine ferngelenkte Puppe. Er war Filmschauspieler, Entertainer, Tänzer und Gesangs-Performer, der es als einziger Musiker jemals schaffte Nummer-1-Hits sowohl in den Pop-, den Rhythm-and-Blues- und den Country-Charts zu platzieren. Hinter all dem Erfolg und der Dauerarbeit verschwand der Mensch Elvis, was nicht weiter auffiel, weil es immer etwas von ihm zu berichten gab – beruflich. Aus dem King of Rock’n'Roll wurde ein fließbandender Musikautomat.

Das Ableben. Elvis starb im Alter von 42 Jahren. Er hatte ein multiples Leben gelebt, in das man vier herkömmliche Leben hätte hineinpacken können. Vom Rock’n'Roll hatte er sich weit entfernt, war als lebende Legende in Las Vegas gelandet. Längst hatte er sich selbst überlebt, mußte ächzen unter der Bürde dessen, was man alles über ihn dachte.

Die Auferstehung. Schneller als Jesus war er wieder da. Die religiöse Verehrung nach seinem Tod nahm Formen an, die man vorher nicht gekannt hatte. Viele bestritten, dass er tot sei und viele verkleideten sich wie er und immitierten ihn – bis zum heutigen Tag. Wenn eines Tages tatsächlich Außerirdische die Welt überfallen und in unsere Hirne dringen, werden sie erfahren, wer der Herrscher der Welt ist: Elvis Aaron Presley. Und sie werden ihn suchen und tausendfach in jedem Land der Erde finden. Sie werden ihn für eine vielköpfige und zudem vielgestaltige Hydra halten und die Erde schneller verlassen als sie gekommen sind. Die Erdbevölkerung wird dies als Beweis dafür ansehen, dass Elvis tatsächlich noch lebt. Und so wird es weitergehen.

Iron Mans neuer Kumpel: War Machine

Exzentrische Milliardäre, waffenstarrende Blechbüchsen und Mickey Rourke als Bösewicht: Iron Man 2 kann durchaus das Niveau halten, das der Vorgänger vorgegeben hatte. Daneben erahnt man bei diesem Film aber auch so langsam, wie Marvel versucht das Erzählprinzip ihrer Comics auf das Medium Film zu übertragen.

Iron Man, besonders in der Verkörperung von Robert Downey Jr., ist kein Durchschnittssuperheld. Denn wo sich der gewöhnliche Maskenmann in Bescheidenheit übt und seine wahre Identität geheim hält, ließ Tony Stark seiner Profilneurose am Ende des ersten Teils freien Lauf und outete sich selbst als Iron Man. Na ja, einkaufen wird der Milliardär wohl auch vorher nicht selbst gegangen sein, als dass ihn dieser Umstand in seiner persönlichen Freiheit einschränken würde.

Trotzdem bringt ein solcher Schachzug natürlich Neider auf den Plan, die auch gerne so einen fliegenden Anzug hätten. Zum einen ist das die US-Regierung, die von Divisionen metallischer Marines träumt und Starks schmieriger Konkurrent Justin Hammer, der davon träumt, ebendiese  metallischen Marines an die US-Regierung zu verkaufen. Dann taucht auch noch  beim Formel 1-Rennen von Monaco der wortkarge russische Superschurke Ivan Vanko alias Whiplash auf und greift Stark mit einer Waffe an, die auf der gleichen Technologie wie dessen Rüstung basiert. Dass ihn der Reaktor in seiner Brust, der seinen Anzug antreibt und sein Herz schlagen lässt, gleichzeitig langsam vergiftet, ist in der Situation auch nicht gerade die reine Freude…

Fortsetzungen von Comic-Verfilmungen funktionieren nach einem ganz eigenen Schema: Der zweite Teil ist oft besser als der erste, der dritte dafür umso schlechter. Siehe X-Men, oder Spiderman. Bei den Trailern zu Iron Man 2 hatte man kurz die Befürchtung, diesen könne vor der Zeit das Schicksal des dritten Teils ereilt haben, indem er zuviel in den Film gepackt hätte. Zuviele Handlungsstränge, zu viele neue Figuren in Kostümen, wie Don Cheadle als Iron Mans Sidekick „War Machine“ oder Scarlett Johansson als „Black Widow“.

Diese Sorgen muss man sich aber nicht machen.  „Iron Man 2“ bietet schlicht gesagt mehr desselben, und das ist hier nicht negativ gemeint. Wie schon der erste Teil ist auch Iron Man 2 ein Blockbuster, der in erster Linie von der Dynamik der Figuren getragen wird. Alle Charaktere zeigen nachvollziehbare Motivationen für ihre Handlungen und ständig spielen sich selbst zwischen Nebenfiguren kleine Sub-Plots ab. Ebenfalls wie beim Vorgänger fällt auch hier auf, dass der Film ein klares und gut strukturiertes Drehbuch besitzt. Action-Szenen gibt es dann, wenn sie Sinn machen und werden für einen Film dieser Preisklasse erstaunlich sparsam eingesetzt. Aber wenn es dann etwas zu gucken gibt, scheppert es ordentlich.

Durch das Mehr an Figuren bedingt, zerfasert die Story schon ein bisschen mehr als im Original. Auch hat man dieses Mal auf jegliche Bezüge zur Realität, wie der Schauplatz in Afhganistan im ersten Teil, verzichtet, die Geschichte findet nun wieder in einer reinen Comic-Realität statt. Und bei Starks Rockstar-Gehabe fragt man sich durchaus, was ihn denn eigentlich zum Helden macht. Trotzdem bleibt Iron Man 2 gelungene Unterhaltung, bei der man eben nicht das Gehirn ausschalten muss um es sich angucken zu können. Bei den vielen buntlauten effektgepimpten Großproduktionen des letzten Jahres, die mit dreistem Grinsen auf Dingen wie Charakterentwicklung und der Intelligenz des Zuschauers ihre Notdurft verrichteten, ist das schon eine wohltuende Abwechslung.

Interessant ist Iron Man 2 jedoch auch im weiterem Kontext der langfristigen Marketing-Strategie der Marvel Studios. Denn wie schon bei „Iron Man“ und „Incredible Hulk“  häufen sich die Hinweise auf andere und kommende Marvel-Produktionen.  Samuel L. Jackson ist wieder als Nick Fury, Chef der Geheimorganisation S.H.I.E.L.D.  zu sehen, der diesmal schon anders als im ersten Teil zur eigentlichen Filmhandlung beiträgt, sich jedoch noch sehr im Hintergrund hält. Dann gibt es den fast schon obligatorischen Nach-Abspann-Teaser auf den nächsten großen Marvel-Film, in diesem Fall „Thor“.

All dies gehört zum Masterplan von Marvel, ihre besten Pferde im Stall jeweils in ihren eigenen Filmen debütieren zu lassen (neben „Thor“ fehlt auch noch „Captain America“, ebenfalls in der Pipeline) um sie dann schließlich in „Avengers“ (geplant für 2012 oder 2013) zur Supergroup zusammenzuführen.

Eine sehr ehrgeizige Strategie. Zehn Jahre nach Beginn des Booms der Comic-Verfilmungen markiert sie aber auch so etwas wie den nächsten Schritt in der Entwicklung, denn damit überträgt Marvel die im Mainstream-Superhelden-Comic übliche Erzählstruktur des „Shared Universe“ auf ihre filmischen Entsprechungen. In den Comics wird durch zahlreiche Begegnungen zwischen verschiedenen Figuren deutlich, dass diese die gleiche Welt bewohnen, was oftmals für „Crossovers“ genutzt wird, in denen sich die Geschichten mehrerer Charaktere aus verschiedenen Serien überschneiden und oftmals ein weitaus größerer epischer Bogen gespannt wird als normal.

Das ist natürlich in erster Linie eine Verkaufsstrategie: Der Leser soll so dazu gebracht werden, auch Hefte aus Serien zu kaufen, die er normalerweise  nicht liest, und dann am besten auch dabei zu bleiben.

Gleichzeitig bietet sie aber auch die Möglichkeit zu einer nicht-linearen Erzählweise; so können Ereignisse zunächst aus der Sicht von Superheld A, in einem anderen Erzählstrang dann aus der Sicht von Superheld B geschildert werden. So bilden die Geschichten der verschiedenen Serien ein komplexes Geflecht von Kreuzungspunkten, das mit der Zeit immer umfangreicher und komplizierter wird. Das bringt natürlich die Gefahr mit sich, dass sich irgendwann nur noch die eingefleischtesten Fans darin zurecht finden; deswegen bringt etwa Marvel-Konkurrent DC einmal alle Zehn Jahre ein Crossover heraus, das ihr fiktives Universum von unnötigem Ballast befreit und die Kontinuität von Grund auf neu startet und damit auch wieder offen für neue Leser ist.

Dieses Prinzip auf den Film zu übertragen, ist gar nicht mal neu; Roger Ebert hat den „Hyperlink Movie“ bereits als neues Genre ausgemacht, in dem verschiedene Protagonisten jeweils ihre eigenen Geschichten verfolgen die sich oft nur kurzzeitig überschneiden und somit ein zusammenhängende Bild ergeben (Beispielsweise „L.A. Crash“ oder „Babel“ ). Neu ist hingegen, dieses Prinzip nicht innerhalb eines Films anzuwenden, sondern mehrere einzelne Filme auf diese Weise untereinander zu verlinken. Konsequent angewendet, wäre es dadurch sogar möglich, Filme in beliebiger Reihenfolge zu sehen und trotzdem die komplette Geschichte zu erfassen.  Das würde Begriffen wie Sequel oder Prequel noch einmal eine ganz neue Dimension verleihen.

Na ja, das sind natürlich höchst theoretische Spinnereien. Es ist wohl eher unwahrscheinlich, dass die Studio-Verantwortlichen ihre erhofften Kassenschlager mit einer übermäßig komplexen Dramaturgie belasten werden. Mehr als die Teaser auf den nächsten Film und ein paar Ostereier für den geneigten Fan werden dabei wohl nicht drin sein. Aber man wird ja wohl noch mal träumen dürfen…

Daumen hoch!

*Zwar nicht die Hand Gottes – aber immerhin: Fernando Alonso ließ seine Daumen für 10 Millionen Euro (macht 5 Millionen pro Stück?)  versichern!

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Breitleinwand-Comic und einer der Höhepunkte der Comicmonate Mai und Juni: Der neue "Batman & Robin" von Autor Grant Morrison und Zeichner Frank Quitely.

Es tut sich viel im Reich der Superhelden. Unter anderem das: Die Superhelden-Comics bluten kreativ aus. Deren Schöpfer sind zum Film gewechselt. Und fühlen sich jetzt selbst als Stars. Wir hatten schon über „Kick Ass“ berichtet: Der erste Band ist erschienen, der zweite kommt im Mai – aber zwischen der Veröffentlichung von Band 1 und Band 2 läuft schon mal der Film in Deutschland an. Das ist symptomatisch.

Hollywood investiert eisern: „Iron Man II“ fährt schwere Geschütze auf
Was gibt’s Neues aus der Welt der Superhelden-Comics? Der Mai steht ganz im Zeichen des neuen „Iron Man“-Filmes. Der erste Teil war einer der erfolgreichsten Superhelden-Verfilmungen. Soll man eigentlich froh sein darüber, dass die Fantasiewelten der Comics immer mehr auf der Leinwand zum Leben erwachen, dass die guten Comic-Autoren zu Drehbuchschreibern werden und die Comiczeichner zu Storyboard- bzw. Ausstattungszeichnern oder Designern für den Film? Wird für die Comics noch genügend kreatives Potenzial übrig bleiben? Oder werden die Comic-Macher – im Gegenteil – durch diese Aussichten sogar noch angestachelt? Jedenfalls ist ein Exodus der fähigen Comic-Schaffenden gen Film voll im Gange – mehr Geld und größere Anerkennung als in der Comic-Branche locken.

Kreativitäts-Vampirismus: Der Film saugt die Comics aus
Ein Film verläuft erzählerisch und ästhetisch nach ganz anderen Gesetzmässigkeiten. In den beiden „Fantastic-Four“-Verfilmungen wurden gleich mehrere Erzählzyklen der gleichnamigen Comics verbraten, ebenso bei „Daredevil“, „X-Men“ oder „Spiderman“. Der Superheldenfilm ist wie ein gigantischer Staubsauger, der die besten Ideen der Jahrzehnte laufenden Comicserien raussaugt und in zwei Stunden presst. Werden am Ende nur noch Filmschaffende existieren und keine Comic-Künstler mehr? Wer kreiert dann die neuen Ideen? Jedenfalls wird die Kinematisierung der Comicwelt diese mehr korrumpieren.

Leonardo Mancos zeichnet „Iron Man“
Einer der aufstrebenden Könner in der Comicwelt ist der Argentinier Leonardo Mancos. Der hat den „Iron Man“-Band „War Maschine“ detailreich und filigran 292 Seiten lang gezeichnet – unter den Bänden, die rund um den Film erscheinen, ist dieser Band der, der zeichnerisch am ehesten empfehlenswert ist. Der Band erscheint unter dem verschiedendste Serien umspannenden Label „Dark Reign“, das eine übergeordnet zusammenhängende Story bezeichnet.

Etwas Neues von Chris Bachalo
Ein weiterer „Dark Reign“-Band heißt „Sinister Spiderman“. Gezeichnet hat das 100-Seiten-Paperback eines der ganz wenigen Zeichner-Originale der amerikanischen Superheldenszene: Chris Bachalo, der praktisch mit allem, was er zeichnet aus den üblichen Schemata herausfällt. Seine Monster sind ein bißchen abgedrehter, seine Helden ein bißchen weniger muskelbepackt als sonst. Oft bemüht er sich um eine außergewöhnliche Seitenaufteilung. Er neigt dazu, gerade wenn es um Bösewichte geht, die Zeichnungen derartig kopmlex anzulegen, dass man zweimal hinsehen muß, weil man auf den ersten Blick nicht alles erkennt. Die Sicherheit und Eigenständigkeit seines Strichs ist vergleichbar mit Meistern wie P. Craig Russell. Es ist eine Seltenheit, dass Bachalo Zyklen zeichnet, oft klinkt er sich irgendwo mit Einzelheften ein. So ist sein Werk über viele verschiedene Heftserien verteilt. Nach einem „Captain-America“-Band aus 2009 hier also nun ein 100-Seiten-Werk. Nur das Cover ist vom Möchtegern-Bernie-Wrightson Mike Deodato Jr. Schade – waren doch die Bachalo-Cover der Einzelhefte kleine provokante Meisterwerke, die aber wie immer im Innenteil des Bandes abgedruckt sein werden.

Höhepunkt Ende Mai bei Panini: „Batwoman“ von J. H. Williams III.
Das Mai-Highlight wird aber der 164-seitige Sammelband von „Batwoman“. Die Zeichnungen von J. H. Williams III. haben einen illustrativen Anspruch, sind stark von den Ornamenten des Jugendstils geprägt, was relativ einmalig für einen Superhelden-Comic ist, und überraschen vor allem durch ein kreatives Layout: Eine ideenreichere Seitengestaltung hat man seit den Tagen des Spaniers Fernando Fernandez (in Deutschland erschienen im Magazin „Vampirella“ und mit einem Buchband im „Volksverlag“) oder des Über-Zeichners Alex Nino schon lange, lange nicht mehr gesehen. Oppulente Grafik in einem High-Speed-Genre – ein reizvoller Kontrast. In dem Design der Seitenaufteilung ist Williams äußerst akurat, eigentlich nicht zu vergleichen mit den vorgenannten und auch nicht mit dem Expressionisten Sam Keith oder den 70er-Jahre-Layouts von Neal Adams bei „Green Lantern“ oder „X-Men“.

Der Engländer Frank Quitely mit einer neuen Serie
Im April ist eine weitere interessante serielle Neuerscheinung gestartet. Zeichner Frank Quitely zeichnet wieder eine längere Serie, „Batman & Robin“. Mit „Batman“ Heft 40 ging’s los“, in Nr. 41 geht die Story nun demnächst weiter. Nachdem Grant Morrison und Frank Quitely „Superman“ in der Mini-Serie „All Star Superman“ gekonnt neu definiert hatten, widmen sie sich nun dem zweiten großen DC-Helden „Batman“. Quitelys Hauptwerk waren die „New X-Men“, ebenfalls in Kooperation mit Autor Grant Morrison – sowohl inhaltlich, erzählerisch und zeichnerisch Maßstäbe setzend. Es ist schön zu sehen, wenn Könner über eine lange Strecke hinweg alte Comic-Charaktere neu „erfinden“ und damit auffrischen und den Erfordernissen der Zeit anpassen. Die „New X-Men“ waren sehr stylisch bezüglich ihrer schicken neuen Uniformen und verjüngt bezüglich ihrer Physiognomie. Aus den Kraftprotzen wurden dünne Denker, die immer mehr auch durch ihre mentale Stärke geprägt waren. Autor Morrison griff in die Trickkiste des Menschelnden, wenn eine Mutantin vom anderen Mutanten schwanger, ein Schüler der Mutantenschule größenwahnsinnig und gefährlich wird und überhaupt die Akteure und ihre Probleme mal so richtig Fahrt aufnehmen. Übrigens bildeten die damaligen grundlegenden Szenarien auch einen Teil der Basis für die Filme. Die von Quitely gezeichneten Action-Sequenzen waren zudem mitreissend – und das mit wenig Strichen und zeichnerischer Ökonomie, bei der Quitely sich mit Tuscher Tim Townsend gut ergänzte. Die Messlatte für eine Serie, die Neues bieten kann, war dadurch im traditionell klischeedurchwirkten und damit festgefahrenen Superhelden-Genre sehr hoch gesteckt. Richtig reden im großen Superhelden-Zirkus machte der Zeichner mit der vorgenannten „All-Star-Superman“-Adaption von sich, die indes zeichnerisch nicht neue Horizonte erreichte. Bestachen seine „New X-Men“-Zeichnungen durch eine glatt-lineare Vereinfachung in der Tuschearbeit, waren die digital getuschten Arbeiten der Superman-Miniserie von Jamie Grant rauher und ungeschliffener – im übrigen digital getuscht, das heißt am elektronisch-drucksensitiven Zeichenbrett bzw. -Bildschirmtablett. Bei „Batman & Robin“ schließlich ist Quitely’s eigener Tuschestrich unkoordinierter geworden und vermittelt damit den Eindruck einer alten illustrativen Darstellungsweise. Die Dimensionalität vorgaukelnden Schraffuren wirken lockerer, teils sogar wie zufällig gesetzt, was den Zeichnungen mehr Lebendigkeit verleiht, obwohl der beste Quitely derjenige ist, der möglichst sparsam arbeitet. Dabei ist eine Tendenz bei den hochgradig arbeitsteilig gefertigten Superhelden-Comics dominanter geworden: Dadurch, dass die Farbgebung nicht mehr das frühere platte Farbflächen-Einziehen ist, sondern nahezu eine eigene grafische – will heißen: elektronisch gemalte – Ebene ist, können die schwarzen Striche und Konturen auf ein Minimum reduziert werden. Die Räumlichkeit muss dabei nicht mehr durch schwarze Strich-Schraffuren erzeugt werden, dies übernimmt der Farbdesigner. Für den klugen Zeichner bedeutet das nicht nur, dass er theoretisch alles Unwesentliche weglassen kann und sich zur Ausformung seiner visuellen Sprache nur noch weniger wesentlicher Linien bedienen muß, nein, er hat auch schlicht weniger Arbeit, wenn er ein Profi ist, der sich seiner Erfahrung bedienen kann. Im Falle von „Batman & Robin“ hat Quitely vorgezeichnet und getuscht und Alex Sinclair für die Farbgebung gesorgt.

Mike Mignola in der Hölle und „Hellboy“ am Ende im Cross Cult-Verlag
Ein weiterer Könner arbeitet inzwischen beim Film und hat damit genug zu tun: Mike Mignola, der mit „Hellboy“ einen modernen Comicklassiker geschaffen hatte und mal in einem Interview vor Jahren gesagt hatte, er wolle „Hellboy“ niemals an einen anderen Zeichner abgeben. Hätte er das nur mal getan. Sein Nachfolger Duncan Fegredo ist zwar kein schlechter Zeichner, aber den einmaligen Charme von Mike Mignolas Geschichten, die eine ganz spezielle Synthese zwischen Form und Inhalt, zwischen Textaussage und Zeichnung eingehen, kann niemand nachahmen. Mignolas Stil zwischen grober Flächigkeit und sehr dünnen Linien verrät kaum etwas darüber, welche zeichnerische Meisterschaft er inzwischen erreicht hatte. Wer sich allerdings mal einen Bildband von ihm anguckt, wird staunend eines anderen belehrt. Die „Hellboy“-Comics sind fast immer schwarz-weiß, spartanisch, ja regelrecht spröde gezeichnet. Der abgedrehte Held selbst, einer der sehr trocken-humoristischsten Charaktere der Comicwelt, lebt in einer vollkommen autarkten Welt der Mythen. Mignola hatte durch die beiden „Hellboy-Filme“ schließlich alle Hände voll zu tun und keine Zeit mehr für seinen Comicheld. Die Geschichten hat er weiter geschrieben, hat sich für einen Band gleich mehrere Zeichner gesucht und ist bei Duncan Fegredo geblieben. Aber wie gesagt: Die Übernahme der zeichnerischen Arbeit an „Hellboy“ ist vom Anspruch her in etwa zu vergleichen mit der Übergabe von Prinz Eisenherz durch Comic-Legende Harold R. Foster an John Cullen Murphy (was einer der größten Fehler in der Geschichte der Comics gewesen ist). Soll heißen: Die Aufgabe ist praktisch nicht zu bewältigen. Schade für „Hellboy“ und seine Zukunft – und ein Beleg für die oben erwähnte These, dass zu viele gute Comic-Leute zum Film abwandern und ihre Kreativität für die Comics absterben lassen. Bei „Cross Cult“ erscheint im Juni Band 10 der schönen Hellboy-Sammelbände in Buchform.

Die Kreativ-Regression des Frank Miller
Zwischenzeitlich ist der alte Frank Miller-Comic „Martha Washington“ mit dem ersten Band „Ein amerikanischer Traum“ erschienen. Frank Miller ist ein Wegbereiter teils vielschichtiger teils aber auch eindimensionaler gewaltverherrlichender Comics. Deshalb ein dickes Fragezeichen, ob die Inhalte, die er vermittelt, zu befürworten sind. Andererseits ist er sowohl als Zeichner als auch als Autor in den letzten drei Jahrzehnten – vor allem in den 80er- und 90er-Jahren – einflußreich wie kein zweiter amerikanischer Autor/Zeichner. Längst ist er beim Film gelandet: Erst hatte er sich als Drehbuchautor des ersten und dritten Teils von „Robocop“ und der Charakterentwicklung für den zweiten Teil verbittert aus dem Filmgeschäft verabschiedet, dann als Mit-Regisseur neben Robert Rodriguez mit „Sin City“ zum gloriosen stilbildend-künstlerischen und kommerziellen Erfolg geeilt, war mit „300“, seinem Comicalbum als Vorlage zum Kinofilm von Zack Snyders ErstlingKino-Film zu viel Geld gekommen, schließlich mit der „Spirit“-Kino-Version dramaturgisch gescheitert und dem digitalen Effektgewitter auf den Leim gegangen. Man hört seitdem nur noch, an welchen neuen Filmprojekten er arbeitet, ob nun „Sin City II“ (2011 in den Kinos?), „Sin City III“ (2012), „Ronin“ (2012) oder „Hard Boiled“ (2011). Nach der sehr schwachen „Batman & Robin“-Miniserie mit einem ebenfalls schwachen Zeichner Jim Lee gibt es offenbar keine neuen Comics mehr von ihm, die etwas bewegen würden. Miller ist ein Klassiker geworden, der eine kreative Backlist in Filmsprache übersetzt bzw. übersetzen läßt. Für den Schöpfer „Frank Miller“ wohl eine Phase der persönlichen Regression. Er arbeitet sich daran ab, alte Comic-Stoffe als Filmversion neu erstehen zu lassen und hat keine Kraft mehr, etwas wirklich Neues zu schaffen, dort, wo er stark ist: In der Neuinterpretation angestammter Comic-Charaktere, denen er Tiefe verleiht.
Seine Serien-Premiere, die ihn berühmt gemacht hatte, war eine Neuinterpretation des in die Jahre gekommenen Marvel-Charakters „Daredevil“ gewesen, „Ronin“ stand unter starkem Einfluß von „Lone Wolf und Cup“ und war nichts anderes, als die Einführung der japanischen Manga-Erzählweise und ihrer Ästhetik, auch die teilweise Europäisierung seines Comics in Anlehnung an den Moebius-Zeichenstil. Sein größter Erfolg war „The Dark Knight returns“, eine Umgestaltung der „Batman“-Mythologie. Miller scheint sein Pulver verschossen zu haben und ein Comic-Schöpfer, der ein ähnliches das Medium erneuerndes Potenzial hätte, ist bisher nicht vorhanden. Die Anpassung und Umgestaltung der Charaktere vollzieht sich dem entgegen jetzt und zukünftig viel mehr in der Film-Branche. Dazu passt auch, dass Marvel – wir berichteten – von Disney gekauft wurde und dass der eigentliche Wert des Unternehmens fast ausschließlich in der Ausschlachtung von tausenden Comic-Charakteren für den Film liegt. Superhelden-Comics, ruhet sanft!

Er bestellt im Netz einen ästhetisch herausfordernden Strampelanzug, nennt sich Kick-Ass und macht sich mit ungewohntem Enthusiasmus ans Werk. Allerdings auch mit unfassbarer Naivität, weswegen er schon bei seinem ersten Einsatz mittels Messer und Motorhaube derbe durch die Hecke gezogen wird. Wieder aus dem Krankenhaus entlassen,  hat er dank mehreren Kilo Metall im Skelett und gekappten Nervenenden wenigstens so etwas wie eine Superkraft, nämlich eine extrem hohe Schmerztoleranz.

Durch Youtube-Clips wird Kick-Ass tatsächlich ein wenig berühmt, was andere kostümierte Spinner auf ihn aufmerksam macht. Batman-Lookalike Big Daddy befindet sich nämlich zusammen mit seiner elfjährigen Tochter, die er zu der gnadenlosen Killerin Hit-Girl herangezogen hat, auf einem Rachefeldzug gegen den Gangster-Boss Frank D’Amico, und könnte ein wenig Unterstützung brauchen. Ohne zu wissen wie ihm geschieht, wird Kick-Ass in den Konflikt der beiden und damit in die vielbeschworene Spirale der Gewalt gezogen.

Viraler Infekt

Kick-Ass, nach einer Vorlage des in Comic-Kreisen gefeierten Mark Millar,  ist ein Beispiel dafür, wie sich ein Film an übertriebenem viralen Marketing einen Schnupfen holen kann. Monate im Voraus tauchten ganze Schwärme von gut geschnittenen Trailern, Plakaten und Bildern auf. Einige ganz großartige Ausschnitte verbreiteten sich, wie die Szene, in der Nicholas Cage als Big Daddy seiner Tochter beibringt, wie es sich anfühlt mit einer schusssicheren Weste angeschossen zu werden. Dazu kam ein massives mediales Kreuzfeuer durch die einschlägigen Seiten und Blogs, wie radikal anders, politisch inkorrekt, gewissenlos spaßig und überhaupt, wie AWESOME dieser Film doch sei.

Und tatsächlich, von dem, was man da sah, versprach man sich einiges: mal wieder eine zünftige Dekonstruktion des Superhelden-Genres würde das werden, ein kunterbunter, blutiger Schlag ins Gesicht von Super-Saubermann und Co, die rotzpunkige kleine Schwester der depressiven Watchmen-Grufties. Allein der Slogan schien schon sein Geld wert zu sein: „With no Power comes no responsibility.“  Nimm das, Spiderman.

Noch eine Internet-Blase

Das klingt nach einem verdammt gutem Film, es gibt nur ein Problem: Kick-Ass ist es nicht. Die immens hohen Erwartungen, die durch das Marketing aufgebaut wurden, kann der Film bei weitem nicht erfüllen. Schon in der ersten Viertelstunde kommt das Gefühl hoch, dass das hier doch viel konventioneller ist, als man es sich vorgestellt hat. Und im weiteren Verlauf wird einem bewusst, dass „Kick-Ass“ zwar immer wieder schöne Ideen  und gelungene Szenen aufweist, wie beispielsweise Nic Cages bescheuert verstellte Stimme, wenn er die Maske aufhat; von denen hat man allerdings die meisten schon in den Trailern gesehen, und insgesamt bleiben sie eine Aneinanderreihung ohne inneren Zusammenhang. Das Problem des Films liegt zu großen Teilen an seiner Hauptfigur, die einen der langweiligsten und passivsten Helden aller Zeiten darstellt. Dave Lisewski hat keine Motivation ein Kostüm anzuziehen außer Langeweile.  Seine Aktionen bestehen im Grunde nur aus zwei Prügeleien, von denen er eine verliert und eine gewinnt. Ansonsten stolpert er im Grunde recht taten- und ahnungslos durch die Handlung. Sein Charakter bleibt extrem farblos und sogar tendenziell unsympathisch, und so ist es dem Zuschauer letztendlich auch scheißegal, wenn er durch die Mangel gedreht wird.

Fahrt nimmt der Film nur dann auf, wenn Big Dadddy und vor allem Hit-Girl im Bild sind, die die eigentlichen Handlungsträger sind. In diesen Szenen löst der Film ein, was er versprochen hatte, Nicholas Cage und Chloe Moretz sorgen als schießwütige Kleinfamilie für die  bizarren Höhepunkte des Films. Hit-Girl wird denn auch ganz unverhohlen als eigentliche Attraktion des Films behandelt. Die bonbonbunte Ninja-Göre , die mit einem Mundwerk wie ein Matrose auch die härtesten Gang-Gorillas über den Jordan schickt, ist tatsächlich eine ikonische Figur.

Sie allein rettet den Film allerdings auch nicht. Dafür gibt es zu viele Elemente, die den Zuschauer immer wieder aus der Geschichte werfen. Der Sub-Plot von Dave und seinem Love Interest Katie ist an Unglaubwürdigkeit kaum zu überbieten.  Die Musikauswahl kommt höchst bemüht hip rüber, und wenn in einer Kampf-Szene fünf verschiedene Tracks angespielt werden, nervt es irgendwann einfach. Besonders gravierend ist jedoch, dass der Film die eigene Prämisse von den Normalos im Heldenkostüm kaum ernst nimmt und spätestens im letzten Drittel vollends über Bord wirft; denn wo Kick-Ass definitiv keine Superkräfte hat, hat die herumwirbelnde Kindersoldatin Hit-Girl ganz offensichtlich übermenschliche Fähigkeiten. Auch dass Selbstjustiz oder die eigene Tochter zum Töten auszubilden problematisch sein könnte, wird nie auch nur satirisch thematisiert, sondern es werden ohne zu hinterfragen Muster übernommen, die hier dem Anspruch nach doch eigentlich parodiert werden sollten. Auch als Auseinandersetzung mit dem Medium Comic oder dem Superhelden-Genre hat Kick-Ass nicht viel zu bieten, und beschränkt sich auf die üblichen Referenz-Kinkerlitzchen, was ja inzwischen ohnehin zum Standard gehört.

Nichts Besonderes

Was übrigbleibt ist die Gewalt, die ziemlich als Selbstzweck eingesetzt wird, nach dem Motto: Guckt mal, wir halten drauf, wo die anderen wegblenden, wir trauen uns ganz schön was. Das ist auf die Dauer doch eher unsympathisch, denn bei dem geringen Maß an Reflektion setzt sich letztlich die Message durch, dass Gewalt ja doch ziemlich cool ist. Auch das ist im Action-Genre ja nichts Neues.

Die meisten Kritiker hat der Film überzeugt und auch an den Kassen wird er wohl sein Publikum finden. Das soll aber nicht davon ablenken, dass Kick-Ass nicht dem Image entspricht, dass von Medien und Werbung aufgebaut wurde: Der Film ist in kaum einer Hinsicht etwas Besonderes. Er ist weder besonders „abgefahren“, noch besonders smart. Er ist eigentlich nur bunt und gewalttätig. Wenn man keine Erwartungen hat und einfach nur zwei Stunden im Kino verbringen möchte, mag das reichen, dann kann man auch an Kick-Ass seinen Spaß haben.  Um länger im Gedächtnis zu bleiben, ist es aber dann doch zu wenig.

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