Foto-Grafisch. Es gibt ein sehr außergewöhnliches Kinderbuch. Es heißt „Ein Elefant auf meiner Hand“ von Lucie Albon. Die Illustrationen sind Bilder, die auf Menschen-Hände gemalt sind, die wiederum bestimmte Formen bilden. So bildet eine Hand mit nach unten gespreizten Fingern eine gehenden Elefantan nach. Der noch weiter abgespreizte Daumen ist der Rüssel. Dieses Konzept bewegt sich auf sehr eigene Art auf der Trennlinie zwischen Illustration und Foto. Das obige Video hat mich daran erinnert, wobei dies technisch wohl in Form einer elektronischen Foto-/Illustrations-Montage umgesetzt wurde, während im Buch die Hände bemalt und abfotografiert wurden und so die Fotos der Illustrationen die Geschichte erzählen. Kommentieren.

Assoziations-Fieber. Wer alles richtig machen will, plant und organisiert, um an’s Ziel zu kommen. Das setzt voraus, dass es ein Ziel gibt. Wer das Leben kennt, weiß aber, dass Ziele Fiktionen sind, denen man sich nicht hingeben sollte. Der Wunsch, Ziele zu erreichen, ist völlig hoffnungslos. Wer wirklich alles richtig machen will, plant und organisiert nicht, sondern improvisiert. Ein illustrativ tätiger Künstler sollte in jedem Fall assoziierend improvisieren. Im Falle eines Comic-Zeichners wie Moebius, von dem die Trickfilmreihe „Arzak“ stammt, die nach seinem gleichnamigen Comic-Held entstanden ist, ist verbrieft, dass er sich von Bild zu Bild imaginierte, anfänglich nur mit einem schwarzen Filzstift ausgerüstet. So ist sein Buch „40 jours dans le desert B“ entstanden, das als die seltsamste realistische Bildgeschichte aller Zeiten gelten kann, sozusagen ein psychedelischer Wilhem Busch. Die Trickfilme, die auf dieser assoziativen Grundlage einer völlig freien und losgelösten Autorenschaft beruhen, profitieren von dieser Vorgehnsweise. Moebius hatte am Anfang seines Werdegangs postuliert, dass im Prinzip jede denkbare Handlung bereits geschrieben wurde. Also hat er sich als Moebius der überkommenen Erzählweise entledigt, während er als „GIR“/Jean Giraud herkömmlich erzählte Comics zeichnet. Alle „Arzak“-Folgen auf Endoplast im Überblick (bitte klicken): /1/2/3/4/5/6/7/8/9/11/12/13/14/Kommentieren.

Der berühmte amerikanische Comiczeichner Neal Adams soll uns im folgenden einmal mehr als Beispiel für den gesplitteten Produktions-Prozess bei den Comic-Heften in Amerika dienen.

Superhelden-Comics in den USA werden traditionell streng arbeitsteilig produziert, auch wenn sich daran einiges geändert hat: Zunächst werden die Seiten und ihre Aufteilung – das so genannte Layout – entworfen, die Kamera-Einstellungen werden festgelegt, das heißt der Blickwinkel auf die Szenerie.

Die wird in mehr oder weniger detaillierten Bleistift-Zeichnungen festgehalten. Das heißt, der Bleistift-Zeichner (auch „Vor-Zeichner“ oder „Entwurfs-Zeichner“) erbringt die initierende kreativ-visuelle Leistung.

Erstens: Der Entwurf wurde von Neal Adams als Bleistiftzeichnung angefertigt. Ist diese fertig, wendet sich der Bleistiftzeichner den nächsten Seiten zu und übergibt die Seite dem Tuscher. Oft arbeiten Vorzeichner und Tuscher in Studios zusammen (Copyright: Marvel Comics).

Teamwork mit Effizienz-Garantie: Bleistift-Zeichner und Tuschzeichner
Damit er in diesem Prozess nicht viel Zeil verliert und weiter entwerfen kann, wird die bleistiftgezeichnete Seite an den Tuscher oder „Inker“ weitergegeben. Der arbeitet in schwarzer Tusche die Zeichnungen aus, indem er die Bleistift-Linien nach Trocknung der Tusche wegradiert. Oft sind die Entwürfe anstatt mit schwarzem Bleistift mit einem hellblauem Stift vorgezeichnet, der für die Reproduktion unsichtbar ist und beim Reproduktions-Fotografieren (früher) bzw. Scannen (heute) nicht erkannt wird – man spart sich dabei also das Radieren. Zusammenfassend kann man sagen: Der Bleistift-Zeichner ist der Kreative, der Entwerfer, der, der sich die Seiten ausdenkt. Der Tuscher führt die Seiten aus, von ihm ist aber viel abhängig. Es ist ein bißchen so, wie bei der Interpretation eines Musik-Stückes: Der Bleistiftzeichner ist der Komponist, der Tuschzeichner der Interpret. Er kann eine Menge herausholen oder viel verderben. Das ist Vorteil aber auch Nachteil des amerikanischen Prinzips. Hinzu kommt, dass Tuscher natürlich auch stark unter Zeitdruck stehen und daher wie am Fließband produzieren.

Zweitens: Hier ist die getuschte Seite zu sehen. Man sieht, dass manche diffuse Stelle der Vorzeichnung jetzt in konkrete Linien umgesetzt wurde (Copyright: Marvel Comics).

Farbgebung: Vom Techniker zum Kreativen
Die Tusch-Zeichnung ist die Vorlage für die Druck-Produktion. Früher haben die Zeichner Zahlen-Chiffren für bestimmte Farben an oder in die Seiten geschrieben, die ein Colorist, jemand der die Farben anlegt, technisch umgesetzt hat. Schon lange ist dies aber kein technischer Beruf mehr sondern ein kreativer. Das heißt, der Colorist legt heute relativ selbstständig fest, welche Farben er einsetzen will. Bekannt geworden als eigenständige Coloristen sind zum Beispiel Lynn Varley, die die Farben für einen Großteil von Frank Millers Werk geschaffen hat, Jose Villarrubia, der zum Beispiel Richard Corbens „Cage“-Grafik-Novel coloriert hat oder John Higgins, der für die Farben von Dave Gibbons „Watchmen“ angelegt hat.

Drittens: Während die schwarzweiße Tuscharbeit den Comic akzentuiert, gibt die Farbe den Entwürfen die Konsistenz und die räumliche Tiefe. Die Farbe verbirgt für den normalen Leser auch ein bißchen, wie gut die Schwarzweiß-Zeichnung gewesen ist. Gerade heute gewinnt die Colorierung zunehmend an Bedeutung und ist vielschichtiger als früher geworden. Der witzige Sprechblasentext "Three Cows shot me down" bezieht sich auf einen Angriff von Außerirdischen, die jede beliebige Form annehmen können und sich in Kühe verwandelt haben (Copyright: Marvel Comics).

Die Digital-Technik hat Einzug gehalten
Längst werden Farben digital am Bildschirm angelegt, Coloristen fügen elektronisch Unschärfen oder andere Effekte in die Bilder ein, haben damit also an Einfluß bezüglich der Wirkung der Comics gewonnen. Mittels eines elektronischen Zeichen-Tabletts, auf dem man mit einem drucksensitiven Digital-Stift „zeichnen“ kann, besteht inzwischen die Möglichkeit, Seiten digital  zu tuschen. Wohl schon in der nahen Zukunft wird vermutlich ein Großteil der Superhelden-Comics nicht mehr von Hand sondern durchgängig digital produziert. Dies hat Geschwindigkeitsvorteile und bietet gerade im Bereich „Mixed Media“ mehr Möglichkeiten. „Mixed Media“ bedeutet, dass ein Zeichner mit unterschiedlichen Materialien und Malwerkzeugen arbeitet, die sich am elektronischen Zeichenbrett alle simulieren lassen. Jeder Student der visuellen Kommunikation lernt heute, seine Zeichnungen einzuscannen und in Photoshop weiterzubearbeiten oder am Computer zu illustrieren. Die Möglichkeiten sind dadurch potenziert,

Für Ambitionierte: Die eigene Bleistiftzeichnung selbst tuschen
Es gibt aber auch die gegenteilige Tendenz: Zeichner, die  nicht nur die Vor-Zeichnungen sondern auch die Tusch-Zeichungen selbst fertigen, um die größtmögliche Kontrolle haben. Zu welch guten Ergebnissen dies führen kann, sieht man sowohl an Altmeistern wie Barry Windsor-Smith, der bei seiner Heftreihe „Conan“ sein zeichnerisches Potenzial erst entwickeln konnte, als er begann, selbst zu tuschen, oder an Andy Clarke, dessen wundervoller Band Batman Nr. 26 gerade erhältlich ist.

Arbeitsteilung zwischen Bleistift und Tusche: Fluch oder Chance?
Manch ein Zeichner hat von der Zusammenarbeit mit einem kongenialen Tuscher, der sein Werk sogar noch aufgewertet hat, profitiert: Zum Beispiel Jack Kirby von seinem Tusch-Pedant Joe Sinnott. Andere Zeichner, wie der ebenso berühmte Neal Adams, dessen Werk fast ausschließlich von anderen getuscht und oft verhunzt wurde, haben darunter gelitten. Andererseits muß man auch sehen, dass ein Zeichner, der gut entwerfen kann, nicht immer gut tuscht. Es ist also nicht gesagt, dass seine Comics besser würden, tuschte er selbst. Nur ist die Anzahl der wirklich guten Tuscher sehr begrenzt. Was man dem amerikanischen Produktions-Prinzip zugute halten könnte, ist, dass durch den Tuscher-Wechsel, der immer wieder stattfindet, eine permanente stilistische Durchmischung und Neu-Interpretation stattfindet, will heißen: Das Ergebnis bleibt nicht gleich, sondern wandelt sich allein dadurch, dass die Vorzeichnungen von unterschiedlichen Tuschern bearbeitet werden. Eine Möglichkeit, einer vermeintlich einsetzenden Langeweile oder zeichnerischen Stagnation entgegenzuwirken. Kirby soll 25.000 Seiten gezeichnet haben, die von vielen verschiedenen Tuschern verfeinert wurden. Darunter Chic Stone mit fetten Pinselstrichen, Joe Sinnott mit einem weniger kräftigen aber klar-dynamischen Pinselstrich oder Vince Colletta, der auch kleine zarte Striche einsetzte. Zwischen Stone und Coletta liegen Welten, die die Vorzeichnungen Kirbys völlig anders wirken ließen. Colletta war ein Tuscher, der oft geholt wurde, wenn es „brannte“, dass heißt, wenn ein Abgabeschluss einzuhalten war. Er wurde von manchem Zeichner-Kollegen angefeindet, weil er aus Zeitgründen die Vorzeichnungen stark vereinfachte und im Extremfall zum Beispiel sogar Elemente der Seite wegließ – was wieder ein Schlaglicht auf die Kontroverse zwischen Kunst-Anspruch und Produktions-Effizienz wirft.

Deadline: Wenn die Zeit drängt
Nicht nur Superhelden-Zeichner hängen dem arbeitsteiligen Prinzip an. Das Medium Comic, das in den sogenannten „Strips“ werktags und für die Wochenendbeilage in Zeitungen oder in Heftform in den regelmäßig erscheinenden Reihen erscheint, unterliegt generell einem hohen Zeitdruck und festen Abgabe-Schlüssen. Davon konnte man an dieser Stelle schon im Zusammenhang mit dem Zeichner Travis Charest lesen. Auch Zeichner wie Hal Foster, dessen Prinz Eisenherz ein Klasssiker der Comics geworden ist und dessen Zeichenstil allenthalben gerühmt wird, hatten Schüler, die getuscht haben.

Wie wird in Europa gearbeitet?
Auch in Europa hat beileibe nicht jeder Comic-Schaffende alles alleine gemacht. Zeichner, die gut im Geschäft sind, erhöhen ihren Output, um mehr Geld zu verdienen, können dann aber nicht mehr alles alleine machen. Ausgeglichen wird das durch den Einsatz von Assistenten, die aber in Europa weitestgehend unbekannt bleiben, währen die Tuscher und Coloristen in den amerikanischen Heften ihre Credits erhalten. Was sich in Europa zur festen Größe entwickelt hat, ist, die Farbgebung von jemand Anderem ausführen zu lassen. Ein Meister nicht nur der Schwarz-Weiß-Zeichnung sondern auch der Farbgebung wie Jean Giraud, hat so seinen Leutnant Blueberry auch schon mal fremdcolorieren lassen. Ein Zeichner jedoch, der fernab aller ökonomischen Zwänge auf seine unverwechselbare Individualität und seine visuelle Sprache Wert legt wird das arbeitsteilige Prinzip vermeiden. Denn dort, wo der Produktions-Prozess im Vordergrund steht, kommt die Entwurfs-Qualität oft zu kurz.

Comic-Kunst. In diesem Film sind zwei Comic-Zeichner bei der Arbeit zu sehen. Der erste ist das Marvel-Urgestein John Buscema, ein typischer Fließband-Zeichner, der zweite der Comic-Künstler Bill Sienkiewicz. Man beachte die interessante Zeichentechnik von Sienkiewicz, die einer Improvisation gleicht. Er ist einer derjenigen, die die Trennlinie zwischen dem Gebrauchsmedium „Comic“ und Kunst durchlässiger gemacht haben. Kommentieren.

Innovation-Talk. Der Illustrator Barron Storey gibt Auskunft über sein Selbstverständnis. Kommentieren.

Illustraction. Barron Storey ist ein Illustrator und Vorbild einiger der wichtigsten künstlerischen Comic-Zeichner unserer Zeit, wie Bill Sienkiewicz, Dave McKean, Kent Williams oder George Pratt. Er lehrt am California College of Art, der San Jose State University und bei den Pixar Studios, und sein Talent und illustratives Vermögen sind so beängstigend groß, dass man zurecht fragen kann, wer besser sein könnte als er. Sein Illustrations-Buch „Marat-Sade Journal“ ist eines der schönsten, die ich kenne. Hier noch ein paar Beispiel-Illustrationen: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7. Kommentieren.

Gagaismus. Lady Gaga mal eben locker vom Hocker und ausschnittsweise in ein paar Minuten hingevirtumalt. Kommentieren.

Kunst-Welt. Photoshop ist eine Software, mit der man Fotos optimieren, verändern und auch manipulieren kann. Könner schaffen mit Photoshop Bilder, die mit dem Ausgangsmaterial nichts mehr zu tun haben – wie hier zu sehen ist. Angestöpselt an ein Grafik-Tablett kann man in Photoshop illustrieren, callagieren oder malen, dass es eine Freude ist. Kommentieren.

Live-Action. Dabei sein, wenn Kunst entsteht – eine schöne Vorstellung für den Betrachter. Bei Performance- oder Aktions-Kunst, ist man als Betrachter quasi Teil der Kunst. Hier ist zu sehen, wie das sein kann. Kommentieren.

Der norwegische Maler und Grafiker Edvard Munch (1863-1944) hatte seinen künstlerischen Höhepunkt rund um den Jahrhundertwechsel. Kurz vorher war der Jugendstil entstanden, eine liebliche, den schönen Formen verhaftete Kunstrichtung. Kurz nachher entstand der Expressionismus, als dessen Vorläufer oder Wegbereiter auch Munch gelten kann.

Edvard Munch war ein in sich zerrissener Künstler, dem man in heutiger Terminologie bipolare Störungen nachsagt. Die Kunst rund um den Zeiten-Wechsel, das dekadente Fin de siècle zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert, war darüber hinaus gespalten in verschiedene offene künstlerische Strömungen. So enstanden in dieser Phase etwa 10 Jahre vor und zehn Jahre nach dem Jahrhundertwechsel Kunstwerke, die ganz Neues boten, stellten viele heute bedeutende Künstler die ästhetischen Weichen um. Es ging dabei nicht nur um bildende Kunst sondern um ein neues Denken, in dem sich einzelne Disziplinen gegenseitig befruchteten.

Die Werke „Der Schrei“ und „Madonna (Liebendes Weib)“
Edvard Munch lebte in dieser Zeit und legte in seine künstlerischen Darstellungen ein hohes Maß an Emotion. In seinem Werk finden sich Elemente des Expressionismus und des Jugendstil. So malte Munch zwischen 1892 bis 1910 mehrere Versionen seines weltbekannten Gemäldes „Der Schrei“. Und 1895 schuf er die Lithografie „Madonna (Liebendes Weib)“, die fast ebenso bekannt geworden ist, nach einem Ölgemälde, das er wieder in verschiednenen Versionen gemalt hatte.

Contra-Punkte: Religion und Sexualität
Abgebildet ist seine Geliebte Dagny Juel nur mit einer roten Kappe bekleidet, wie Prostituierte der damaligemn Zeit sie trugen. Der Titel des Bildes weist auf die Gottsmutter. Die Kreuzung eines religiösen Motivs mit Sexualität – am Bildrand schwimmen Spermien, unten links in der Ecke kauert ein Fötus – sorgte damalig für Aufsehen und Ärger.

Munch’s Werk in der Auktion: Kunst als Wertobjekt
Heute sorgt nur noch der Preis für den „Madonna“-Druck, der vom Künstler handbemalt worden war, für Aufsehen: In London wurde er für insgesamt umgerechnet 1,5 Millionen Euro versteigert – der höchste Preis, der in England für eine Grafik jemals erzielt wurde, auch weltweit nur durch ein anderes Munch-Werk getoppt.

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